Sophie Calle Ausstellung in Berlin: Könnte es besser sein?

Am Ende erscheint sie dann doch noch: Die wagemutige, lustige, und voyeuristische Sophie Calle. „Because I wouldn’t want anyone squatting in my zygomatic arch. Because I wonder whether T and K still love each other or whether their love has died. Because one day only the padlock will remain.“ („Weil ich nicht möchte, dass sich jemand in meinem Jochbeinbogen einnistet. Weil ich mich frage, ob T und K sich noch lieben oder ob ihre Liebe erloschen ist. Weil eines Tages nur noch das Vorhängeschloss übrigbleiben wird.“) steht weiß auf violettem Filz gestickt. Am Rahmen befestigt, verdeckt er ein Foto. Die Besuchenden dürfen ihn lüften, das hat die Künstlerin in feiner französischer Schreibschrift mit Bleistift an die Wand geschrieben.

Hebt man den dicken Vorhang an, erscheint ein dunkelgrau verfärbtes Konvolut menschlichen Gebeins. Allerlei Knochen und Schädel. Sofort hofft man, dass es sich um eine irgendwie religiös geartete Ansammlung handelt und nicht um die Überbleibsel eines Massengrabs. Im darauf zentral abgebildeten Schädel hat jemand im Jochbein ein Vorhängeschloss angebracht. „T+K“ steht darauf mit dickem weißen Edding. Eine Geste der vermeintlich ewigen Liebe, wie sie sich in den letzten Jahrzehnten rasant an Brücken und vermeintlich romantischen Orten auf der ganzen Welt verbreitet hat.

Man schluckt kurz hilflos, gefangen zwischen Pietät, Humor und Neugier. Der Tod und die Sehnsucht und die Liebe und die Ausweglosigkeit und die Radikalität, für das Experiment oder das Ergebnis irritierend weit über Grenzen zu gehen, sowie die Kombination von Text und Fotografie liegen in dieser kleinen Arbeit – und die steht damit exemplarisch für alles, wofür Sophie Calle bekannt wurde.

„Is it Better“ heißt die Ausstellung der 1953 geborenen französischen Künstlerin, die der Hamburger Bahnhof anlässlich seines 30-jährigen Bestehens am Freitag in Berlin eröffnet. Während in der Haupthalle noch immer lärmende Schulklassen inmitten der von Chanel gesponserten Bauklötzen Lina Lapelytės Türme bauen und wieder einreißen, muss man, um Calles Werk zu bestaunen, in den ersten Stock des ehemaligen Bahnhofsgebäudes klettern, wo der hölzerne Baulärm sofort verstummt. Und doch steht man auch hier sofort zwischen Abriss und Wiederaufbau.

1996, im Jahr der Eröffnung des Hamburger Bahnhofs – Nationalgalerie der Gegenwart, begann auch Sophie Calle ihre Beziehung mit Berlin, wie Kuratorin Lisa Hörstmann es beschreibt, und fertigte in der Nachwendestadt die Serie „Die Entfernung“ an. Die Konzeptkünstlerin fotografierte Orte im öffentlichen Raum, wo Denkmäler und Insignien der DDR entfernt wurden, und zeigte die Bilder der darauf sichtbaren Leerstellen Menschen, die ihre Erinnerungen an ebenjene mit Calle teilten.

Das daraus entstandene Buch – eins unter dutzenden in ihrem Œuvre – dokumentiert Fotografien, die entfernten Objekte sowie die kurzen Texte. Es bereitet Freude, die Verschwommenheit und Indifferenz sowie die Verwobenheit des Individuums mit dem Politischen in der zwölfteiligen Serie zu entdecken, die als Leihgabe der Kunstsammlung des Deutschen Bundestags sonst nur den Par­la­men­ta­rie­r:in­nen zugänglich ist.

Berlin hat es schon früh verstanden, seine Dysfunktionalitäten, Klüngeleien und Fehlentscheidungen für Eigenwerbung zu vermarkten. Auch der Hamburger Bahnhof war mit dem Drama um die Rieckhallen und die Kontroverse um den Sammlungsabzug der Friedrich Christian Flick Collection selbst häufiges Beispiel für die verfehlte Kultur- und Immobilienpolitik des Landes. Vielleicht liegen also auch Prisen von Mut und Selbstironie in der Kuratierung des Museumsdirektors Sam Bardaouil und Lisa Hörstmanns darin, anlässlich des Jubiläums die eindeutigen Berlin-Werke Calles zu zeigen.

So auch „Is it Better?“ die titelspendenden Arbeiten, die nach ganz ähnlichem Prinzip verfahren. Zweimal fertigte die Künstlerin sie an. Einmal 2012 und nun 2026, extra für die Schau. „Ist es besser?“, fragte Calle für die zweiteilige Serie Stadtbewohner:innen, bezogen erst auf den einstigen Palast der Republik, wo nach dem Abriss ab 2006 bis 2012 eine Rasenfläche die Grundfläche bedeckte, und später auf das neugebaute Berliner Schloss, welches ab 2013 auf ebenjener Rasenfläche errichtet wurde.

Auf Textbildern erscheinen die Zitate anonym neben Ortsaufnahmen, Postkarten zeigen den Zustand vor der Veränderung. Calle nimmt die Befragten ernst, die Meinungen scheinen durchaus exemplarisch für die Debatten in der Stadt zu sein. Große Poesie jedoch entsteht hier eher nicht. Und fragt man Hörstmann, wie die Kol­le­g:in­nen aus dem Humboldt Forum, das im Berliner Schloss residiert, auf die Arbeit reagierten, winkt diese ab: Die Debatte sei nun wirklich alt.

Sophie Calle. „Is It Better?“, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie für Gegenwart Berlin, bis 04.04.2027

Das Werk der Autodidaktin Calle, die unter anderem 2007 Frankreich auf der Venedig-Biennale repräsentierte und deren größtes Publikum aus jungen Frauen besteht, wie sie in einem Interview mit der Zeit jüngst preisgab, fasziniert insbesondere durch die Illusion radikaler Selbstentblößung und der Unterwerfung der Künstlerin vor dem Projekt.

So begann sie als junge Frau einen fremden Mann zu verfolgen, reiste ihm bis nach Venedig hinterher und dokumentierte dies in detektivischen Fotos. Sie schickte einem Fremden regelmäßig anonym Kleidungsstücke zum Geburtstag, von denen sie meinte, sie würden ihm gut stehen, kopierte ein gefundenes privates Adressbuch, kontaktierte die Menschen darin, erstellte so ein Porträt des Besitzers und filmte das Sterben ihrer Mutter.

Fast immer drehen sich die Arbeiten um das Geisterhafte, um eine Lücke oder Erinnerung. Oft gehen diese einher mit von der Künstlerin notierten Projektionen, mit Selbstoffenbarungen und Sehnsüchten, mit Sinnlichkeit, mit Leidenschaft und Leidensbereitschaft. Was dabei tatsächlich autobiografisch und was Fiktion ist, bleibt im Unklaren, wodurch die Künstlerin nur noch stärker zum Symbol ihres Werkes wird: Die Leerstellen des Privatlebens füllen die Betrachtenden mit ihrer Projektion, wie Calle die Sehnsüchte in ihren Arbeiten selbst. Im Zeitalter des autofiktionalen Booms kann es da schon verwundern, dass ihre Arbeiten seit mehr als 20 Jahren nicht umfänglich in Deutschland präsentiert wurden.

Die Ausstellung im Hamburger Bahnhof wiederum steht eher im Namen der vom Selbst distanzierteren Werke der Künstlerin. Zwar präsentiert die Schau auch die Serie „The Ghosts of Orsay“ (Die Geister Orsays) von 2022, in der die Künstlerin sich mit ihren Jahren im verlassenen Hotel d’Orsay auseinandersetzt, einem Grand Hotel im gleichnamigen Pariser Bahnhof, der seit den 1980er Jahre das Musée d’Orsay beherbergt und in welchem sich die Künstlerin Ender der 1970er Jahre bis zum Beginn der Umbauarbeiten unbemerkt aufhielt und Unterlagen und Objekte einsammelte, doch ist diese weit weniger selbstoffenbarend als ihr frühes Werk.

Gästekarten aus den 30er Jahren, Zimmernummern und technische Objekte lässt die Künstlerin für diese Arbeit, die sie für eine Ausstellung im Musée d’Orsay anfertigte, von einem Archäologen interpretieren, die Texte dazu sind sorgfältig gerahmt.

Vom Museum im Bahnhof zum Museum im Bahnhof ist diese nun nach Berlin gewandert, und auch eine weitere Arbeit, die ursprünglich für das Musée national Picasso-Paris angefertigt wurde und Fotos verhängter Meisterschinken während des Coronalockdowns zeigt, ist zumindest in Teilen zu sehen.

Nach so viel Institutionsreferenzen tut es gut, die letzten beiden Räume der Ausstellung zu besichtigen. Für die dort gezeigte, fast schmerzhaft berührende Video-Arbeit „Voir la mer“ (Das Meer sehen) filmte Calle in Istanbul lebende Menschen, die zum ersten Mal das Meer sehen. (Die zuerst eingeblendete Rückenansicht wird natürlich auch hier im Text auf den sich in den Berliner Sammlungen befindlichen Caspar David Friedrich bezogen, dies lässt sich jedoch getrost ignorieren.).

Ein paar Schritte weiter darf man schließlich unter die Filzvorhänge schmulen und T’s und K’s morbide Liebe entdecken. Eingestickt im Textil notierte die Künstlerin, warum sie die Motive fotografierte. Darunter entdeckt man eine Wolke wie Gedärm. Oder eine Frau, die ins Nichts fotografiert, der Körper gekrümmt im schwarzen Kleid. Oder Hemd, Krawatte und letzte Rechnungen, die Worte auf dem Vorhang: „Because of the Pangs of Sadness“ (Wegen der Qualen der Traurigkeit). Und plötzlich kann man die sehr deutlich fühlen.