Von Dollywood nach Rotherham

Es gibt einen Moment in Lisa McGees Derry Girls, in dem eines der Mädchen, Erin, behauptet, eine Erscheinung, einen kürzlich verstorbenen Hund, gesehen zu haben, der sie zur Kapelle führte. Mary, ihre verärgerte Mutter, ist jedoch skeptisch. Damit ihre Tochter und ihre Freunde ihre Ehrlichkeit schwören können, braucht sie die Unterstützung einer unfehlbaren höheren Macht. Wir schreiben das Jahr 1994 und die Frauen befinden sich in Bogside, Derry, im Zentrum eines konfessionellen Konflikts. Es gibt keinen Mangel an Idolen, Ikonen oder Heiligen, denen man sich widmen könnte, doch Maria, die äußerste Autorität benötigt, ruft die Hilfe einer völlig weniger konventionellen heiligen Kraft an: Dolly Parton. „SWEAR ON DOLLY!“, beharrt sie, während die Kamera auf ein Porträt der Country-Musiklegende schneidet, ganz in Weiß gekleidet, das in einem goldvergoldeten Rahmen an der Wand hängt.

Seit Partons Tod ist viel über ihre Beziehung zu den USA gesprochen worden. Die Sängerin nahm einen faszinierenden Platz in der zeitgenössischen amerikanischen politischen Landschaft ein, was teilweise auf ihre Erziehung in einer Familie mit niedrigem Einkommen im ländlichen Tennessee zurückzuführen ist. Doch das rätselhafte Americana von Dollycore und seine offensichtliche transatlantische Anziehungskraft in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts reichen nur so weit, den Moment in Marys und Erins Wohnzimmer, viertausend Meilen von Tennessee entfernt, zu erklären.

In den letzten zwei Wochen habe ich mich zu Momenten hingezogen gefühlt, die etwas mit dem aus der Feder von McGee gemeinsam haben. Ich habe Clips von ehrfürchtigen Hebammen und Müttern abgespielt, die Parton auf einer Reise zum Rotherham-Krankenhaus in South Yorkshire trafen, und persönliche Essays über Nannys aus Walsall in den West Midlands gelesen, die ihr gewidmet waren. Ich habe gesehen, wie Frauen sich leidenschaftlich für die Verbindungen der Amerikaner zu einer historischen Marktstadt in Wales, Machynlleth in Powys, einsetzen; hörte Frauen zu, wie sie ihre Alben in der Menge eines Pubs in der Grafschaft Kerry in Irland emotional mitsangen (wo Parton 1990 spontan auftrat); und war Zeuge eines in Sunderland geborenen Parton-Tribute-Acts, der an den Tag erinnerte, an dem sie den Star, ihr Idol, traf.

Während Partons Bedeutung in ihrem Heimatland erfolgreich untersucht wurde, wurde weniger darüber gesprochen, was Parton für Millionen berufstätiger Frauen in Großbritannien und Irland bedeutete. Natürlich hatte ihre Ästhetik viel mit denen gemeinsam, die wir mit der Weiblichkeit der britischen weißen Arbeiterklasse assoziieren, aber die universelle Würdigung dieser Ästhetik zeichnet sie aus. Die britischen Medien hegen seit langem ein Problem mit Frauen aus der Arbeiterklasse, die immer noch Anspruch auf die Kultur erheben, aus der sie stammen, und gleichzeitig Geld verdienen oder woanders hinziehen. Hier müssen Sie sich für eine Seite entscheiden: Bleiben Sie billig und werden Sie nicht respektiert – oder machen Sie Ordnung und bewegen Sie sich weiter und scheinbar nach oben. 

Indem er weder das eine noch das andere tat, war Parton ein seltenes Beispiel dafür, wie die mit der Weiblichkeit der Arbeiterklasse verbundene Körperästhetik letztendlich gefeiert und nicht verunglimpft werden konnte. Sie war nicht naiv gegenüber den Werturteilen, die ihr Aussehen hervorrufen würde, sondern fand einen Weg, diese Urteile zu untergraben und sich nicht dazu schämen zu lassen, zu verschönern oder abzustumpfen. Für Frauen in ganz Großbritannien und Irland, für die das „Gehässige“ nie eine positive Währung war, zeigte Parton die Möglichkeit eines anderen Weges auf. Mit ihren platinfarbenen Federperücken, juwelenbesetzten Brüsten und einer Fülle von Pink ermutigte die Schauspielerin diese Frauen, stolz die Macht in einer Kultur zu beanspruchen, die auch ihnen gehörte, und bot ein Modell an – ein Gräuel für eine dezidiert englische Klassenpolitik –, das sie nicht dazu verpflichtete, diese Kulturen im Austausch für Erfolg zu verleugnen.

Parton verbrachte auch ein Leben lang damit, über die täglichen Kämpfe im Leben der Frauen der Arbeiterklasse zu singen und dabei insbesondere ihre Widerstandsfähigkeit zur Schau zu stellen. Ihre Musik erzählte und präsentierte gleichzeitig die Art von Kreativität, die viele berufstätige Frauen aus der Not heraus täglich praktizieren. Von „Coat of Many Colours“ und weit darüber hinaus handeln viele ihrer Lieder von Handwerk, Können und der Solidarität, die man beim Träumen und Schaffen gemeinsam mit anderen Frauen finden kann: „9 to 5“ entstand beispielsweise daraus, dass Parton ohne Instrument mit ihren Acrylnägeln gegen sich selbst klopfte. Im Rahmen meiner Recherche zur Kulturgeschichte der klassifizierten Weiblichkeit in Großbritannien habe ich ähnliche Innovationen gefunden, in Protestliedern, Kleidern aus Vorhängen und Industrieabfallprodukten, die als Liebesbeweise geformt wurden. Parton brachte diese Realitäten auf die Landkarte der Mainstream-Kultur und machte eine Beziehung zwischen Klasse, Geschlecht und Innovation sichtbar, die sonst weitgehend ignoriert wurde.

Parton hasste jedoch den Begriff „Feministin“. Ihre Haltung spiegelte eine lange Tradition des Unbehagens zwischen Frauen aus der Arbeiterklasse und den feministischen Mainstream-Bewegungen wider – keineswegs die ganze Geschichte, aber eine Realität, die nicht ignoriert werden sollte. Trotzdem verkörperte sie eine Art praktischen Feminismus, den sie von den Frauen, mit denen sie aufgewachsen war, geerbt und mit vielen von denen geteilt hatte, die sich mit ihrer Musik in Verbindung brachten. Im Vereinigten Königreich, wo die formelle linke Politik besonders konsequent die Beiträge und Stimmen von Frauen aus der Arbeiterklasse verschleiert hat, ist es kein Wunder, dass viele dieser Frauen in Parton eine Heldin fanden, eine Figur, die sich dafür einsetzte, eine pragmatische Politik zu betreiben, anstatt Theorien zu entwickeln.

So wie ich es verstehe, war Partons Fähigkeit, mit solchen Paradoxien umzugehen, das Ergebnis ihrer Herkunft, da sie in eine Gemeinschaft von Frauen hineingeboren wurde, für die Widersprüche (und die kreativen Lösungen dafür) eher eine gelebte Realität als eine Wahl waren. Die Songwriterin hat sich dafür entschieden, Geschichten von Frauen aus der Arbeiterklasse zu erzählen und damit Frauen auf der ganzen Welt den Raum zu eröffnen, Komplexität anzunehmen und stolz auf ihre eigene Kultur zu sein, und dafür wird man sich immer an sie erinnern.