Fernando Botero: Größe nutzen, um Erwartungen zu untergraben

PIPPA CATTERALL untersucht, was Fernando Boteros übertriebene Figuren über Sex, Macht und Gewalt verraten

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Die neueste Ausstellung der OPERA GALLERY LONDON ist die erste Einzelausstellung des kolumbianischen Künstlers Fernando Botero (1932-2023) in der Stadt seit 2015. Sie präsentiert eine Reihe von Gemälden und Skulpturen aus der 70-jährigen Karriere des Künstlers. Die frühesten enthaltenen Werke stammen aus den 1960er Jahren. Die neuesten stellen das bemerkenswerte Material dar, das er bis zu seinem Tod im Alter von 91 Jahren im Jahr 2023 weiter produzierte.

Als das früheste ausgestellte Werk entstand, ein Selbstporträt von sich selbst im Alter von einem Jahr, das er 1966 in seinen Dreißigern malte, hatte Botero bereits den charakteristischen Darstellungsansatz entwickelt, der zu seinem Markenzeichen werden sollte.

Botero erklärte 1992 seine besondere Art, mit Maßstäben zu spielen, indem er sagte: „Ein Künstler fühlt sich zu bestimmten Arten von Formen hingezogen, ohne zu wissen, warum. Man nimmt eine Position intuitiv ein; erst später versucht man, sie zu rationalisieren oder gar zu rechtfertigen.“ Botero begründete dies damit, dass er 1957, als er sein bahnbrechendes Werk „Bodegon con Mandolina“ (Stillleben mit Mandoline) malte, erkannte, dass die Veränderung der Proportionen eines Objekts dessen Wahrnehmung veränderte.

Die daraus resultierenden Übertreibungen des Maßstabs können als humorvoll oder verspielt angesehen werden. Doch hinter Boteros Kunst steckt noch viel mehr. Tatsächlich entwickelte er einen als „Boterismo“ bekannten Stil, der große Proportionen nutzte, um seine Themen hervorzuheben, zu satirisieren und zu kritisieren, das Leben zu feiern und dem Gewöhnlichen eine monumentale Qualität zu verleihen.

Nach einem Umzug nach Spanien im Alter von 20 Jahren verfeinerte Botero sein Handwerk, indem er im Prado-Museum in Madrid alte Meister kopierte. Seine Kunst entwickelte sich im Dialog mit den Meisterwerken, die er beobachtete.

Boteros Arbeiten beziehen sich häufig auf historische Kunstwerke und parodieren diese. Dabei fordert er auch den voyeuristischen Blick heraus. Im Gegensatz zu den üppigen Inszenierungen, die manchmal in historischen Werken verwendet werden, lenken seine üppig liegenden Frauen, wie etwa Donna Sdraiata (2012), die Aufmerksamkeit auf die menschliche Form und repräsentieren eher Weiblichkeit als irgendeine Form idealisierter Schönheit.

Größe wird von Botero wiederholt genutzt, um das zu untergraben, was wir erwarten. Damit lenkt er unseren Blick auf Details, die er hervorheben möchte, oft auf den menschlichen Aspekt der Szene. Anstatt Figuren zu verwenden, um der Landschaft Maßstab und Bedeutung zu verleihen, stellt Botero sie sowohl in seinen Darstellungen als auch in seinen Titeln in den Mittelpunkt. Ein Beispiel ist sein Concierto Campestre (Country-Konzert, 2017), das von einem monumentalen Liebespaar dominiert wird. In einer Umkehrung historischer Gemälde ist die Landschaft das Nebensächliche.

Für ein britisches Auge kann das üppige Fleisch seiner Motive an die Kunst von Beryl Cook erinnern, obwohl Boteros Farbschema heller, seine Bilder weniger komödiantisch und seine Motive vollständiger gezeichnet sind. Irgendwie belebt diese Farbe seine Bilder und verstärkt die störende Wirkung seiner Kunst auf den Betrachter.

Nehmen wir „Mädchen mit Katze“ (1989). Dies ist wiederum eine Antwort auf ein in der Vergangenheit oft dargestelltes Thema. Doch die monströsen Proportionen beider Motive sind weit entfernt von der viktorianischen Sentimentalisierung oder Sexualisierung junger Weiblichkeit. Ein Gemälde, von dem wir erwarten würden, dass es im Vordergrund steht, wirkt beunruhigend, während die fast menschlichen Gesichtszüge der Katze im Kontrast zu denen des Mädchens stehen und unsere Erwartungen untergraben. Es ist ein fesselndes Bild.

Im wahrsten Sinne des Wortes gilt El Arrastre (The Drag, 1984). Angeblich zeigt es den Vorgang, einen toten Stier am Ende eines Stierkampfes herauszuziehen. Es ist ein Anblick, den Botero, der in seiner Jugend zwei Jahre lang eine Ausbildung zum Matador absolvierte, sehr gut kannte. Doch es ist der gewaltige Stier, der das Gemälde in einer Weise dominiert, die an historische Todesszenen von Helden erinnert, und nicht der winzige Matador. Mittlerweile sehen die abgesessenen Picadors weniger wie Stierkämpfer als vielmehr wie brutale Polizisten aus.

Botero bezieht sich hier auf Francisco Goyas Arbeit über Stierkämpfe, um – wie Goya – gegenüber seinen Mitmenschen die menschliche Brutalität zu kommentieren, in diesem Fall im Zusammenhang mit den Kämpfen und Morden im anhaltenden Drogenkrieg in Kolumbien, der sich auf seine Heimatstadt Medellín konzentrierte.

Diese Ausstellung umfasst nicht viel von Boteros eher politischer Kunst, wie zum Beispiel die Gemälde von Abu Ghraib, die er wütend als Reaktion auf die dort nach dem Irak-Krieg 2003 begangenen Gräueltaten anfertigte.

Dennoch besteht durchweg eine dramatische Spannung sowohl zur historischen Kunst als auch zur zeitgenössischen Politik. Prelados Banandose en un Rio (1968) („Badende Bischöfe in einem Fluss“) bezieht sich beispielsweise auf die zeitgenössische zweite Bischofskonferenz Lateinamerikas in Medellín, die durch den allerersten Papstbesuch in Südamerika belebt wurde, indem einige katholische Bischöfe in einen Fluss gesetzt wurden, von denen einige völlig überflutet waren von den Veränderungen, die in der Kirche nach dem Zweiten Vatikanischen Konzil stattfanden (der Geburtsstunde der Befreiungstheologie, die die Kirche dazu drängte, sich direkt an den Kämpfen der Armen zu beteiligen).

Auch in A Couple (2014) steht die Untergrabung des konventionellen Bildes im Mittelpunkt. Anders als wir vielleicht erwarten, ist es die Frau, die den sitzenden Mann überragt. Dennoch halten sie Händchen, während auf dem Tisch vor ihnen eine Scheibe Wassermelone und zwei Beerenfrüchte liegen, historische Symbole des weiblichen Körpers und der weiblichen Sinnlichkeit. Dies ist eine Darstellung, die Beziehungen und Menschlichkeit in den Vordergrund stellt, im Gegensatz zu den Besitztümern oder Memento Mori, die manchmal auf den Gemälden zu sehen sind, die Botero parodiert.

Viele dieser Gemälde und Skulpturen sind wie ihre Motive von monumentalem Ausmaß. Eines der neuesten Werke, die nicht aufgenommen wurden, ist Flautista (Flötist, 2023). Auch hier werden beunruhigende Größenunterschiede genutzt, um eine ernste Aussage zu machen. Die Flöte ist zu klein und die Hände zu groß. Diese Absurdität verspottet den Anspruch auf Höflichkeit, der in künstlerischen Szenen historischer Häuslichkeit zelebriert wird.

Wie alle Arbeiten von Botero ist es sowohl beunruhigend als auch sinnlich und spielt mit der Erwartung von Größenordnungen, um uns dazu zu zwingen, sowohl über das Leben als auch über Kunst nachzudenken.

Fernando Botero, in „Praise of an Amplified World“, ist bis zum 6. Dezember in der Opera Gallery in London zu sehen. Weitere Informationen finden Sie unter: operagallery.com Pippa Catterall ist Professorin für Geschichte und Politik an der University of Westminster. Dieser Artikel wurde von The Conversation unter einer Creative Commons-Lizenz erneut veröffentlicht. 

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