Catherine Opie: Wer wird sichtbar?

KATARZYNA KOSMALA eröffnet eine Retrospektive einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen US-Fotografie

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DIESEN Sommer kommt eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Fotografie zum ersten Mal nach Schottland.

„Catherine Opie: To Be Seen at the Royal Scottish Academy“ wurde in Zusammenarbeit mit der Künstlerin kuratiert und zeigt fast 80 Werke aus mehr als drei Jahrzehnten ihrer bahnbrechenden Fotografie.

In sieben Räumen werden die Werke neben einer Auswahl von Porträts aus der schottischen Nationalsammlung gezeigt, die Fragen zur Politik und Praxis der Porträtmalerei stellen und Verbindungen zu den Werken von Künstlern wie Pablo Picasso, der jungen britischen Künstlerin Gillian Wearing und dem italienischen Barockmaler Benedetto Gennari herstellen.

Opie wurde 1961 in Sandusky, Ohio, geboren und hat die Landschaft der zeitgenössischen Fotografie durch ein Werk verändert, das ebenso politisch neugierig wie visuell überzeugend ist. Sie hat Porträt- und Dokumentarfotografie neu definiert, indem sie queere Kultur, übersehene Gemeinschaften, intime Beziehungen und Alltagsleben in den Fokus rückt und konventionelle Vorstellungen von Identität, Zugehörigkeit und Repräsentation in Frage stellt.

Von Selbstporträts und Familienstudien bis hin zu Bildern von Subkulturen, Landschaften und öffentlichen Räumen haben ihre Arbeiten die Diskussion darüber, wer in der zeitgenössischen Kultur sichtbar ist, neu gestaltet. Opie hat Generationen von Künstlern und Kuratoren durch ihren Fokus auf Macht, Gemeinschaft und das soziale Gefüge des amerikanischen Lebens beeinflusst. Außerdem war sie 25 Jahre lang als Professorin für Fotografie an der University of California in Los Angeles tätig, wo sie weiterhin eine neue Generation amerikanischer Fotografen durch Lehre und Betreuung inspiriert.

„To Be Seen“ zeigt Opies Engagement, Grenzen zu überschreiten. Frühe Arbeiten präsentieren den eigenen Körper dieser queeren Künstlerin als das, was sie als „Werbetafel der Identität“ bezeichnet, und stellen damit konventionelle Annahmen über Geschlecht, Sexualität und Selbstdarstellung in Frage. Spätere Fotografien wirken intimer und thematisieren Familie, Mutterschaft und Altern in Werken wie „Self Portrait/Nursing“ (2004).

Hier ist Opies malerisches Porträt von sich selbst, wie sie ihren Sohn stillt, neben Picassos Gemälde „Mutter und Kind“ (1902) aus der „blauen Periode“ platziert, das eine Frau von hinten mit geneigtem Kopf zeigt, die ihr Baby an ihre Schulter schmiegt. Diese beiden sehr unterschiedlichen Porträts, die im Abstand von einem Jahrhundert entstanden sind, verbinden sich durch die universelle Erfahrung der Mutterschaft. Und während Opies Nacktheit und Tätowierungen in einer Madonna-und-Kind-Pose einen auffälligen Kontrast zu Picassos keuscherer und traumhafterer Darstellung der Mutter-Kind-Bindung bilden, sind beide gleichermaßen zärtlich.

Diese Fotografien werden neben Ausschnitten aus ihren Serien „Surfers“ (2003) und „High School Football“ (2007–2009) gezeigt, die über das Studio hinausgehen und Gemeinschaften untersuchen, die Teil der Landschaft der heutigen USA sind.

In „Surfers“ betonen stimmungsvolle Meereslandschaften und eng beschnittene Figuren die Beziehung zwischen Menschen und der Weite der Natur. Die unbewachten Porträts jugendlicher Fußballspieler bieten eine differenzierte Reflexion über Gemeinschaft, Verletzlichkeit und die Art und Weise, wie amerikanische Männlichkeit konstruiert wird. Diese Arbeiten zeigen Opies Fähigkeit, das Persönliche und das Politische zu verbinden, indem er mithilfe der Fotografie Zugehörigkeit und soziale Bindungen erforscht, die den Alltag prägen.

Was im Laufe der Ausstellung immer deutlicher wird, ist das Ausmaß, in dem die Mutterschaft Opies Praxis verändert hat. Nach der Geburt ihres Sohnes Oliver im Jahr 2001 verlagerte sich ihre Arbeit von der konfrontativen Körperpolitik der 1990er Jahre hin zu einer subtileren Auseinandersetzung mit Familie, Fürsorge, Intimität und Zugehörigkeit.

Anstatt die Familienstruktur als biologisch festgelegt darzustellen, richtet Opie ihren Blick auf die emotionalen Bindungen, die das Leben und die Gemeinschaften der Menschen aufrechterhalten, indem sie ausgewählte Beziehungen und queere Netzwerke untersucht und alternative Formen des Zuhauses validiert. Dies wird in einem Porträt von Elton Johns Familie in Elijah, David, Elton und Zachary (2025) veranschaulicht.

In ihrer Serie „In and Around Home“ werden alltägliche Momente unter Freunden, Partnern und Verwandten zu stillen, radikalen Akten der Sichtbarkeit, während Porträts ihres Sohnes, darunter Oliver in a Tutu (2004) und Oliver and Mrs Nibbles (2012), die Kindheit als Ort des Spiels, der Neugier und der Ambivalenz einfangen.

Ergänzt werden diese Werke durch frühere Selbstporträts wie Self-Portrait/Cutting (1993), in dem ein kindliches Bild von zwei Frauen und einem Haus in den Rücken des Künstlers geschnitzt ist und eine tiefe Sehnsucht nach Familie, Anerkennung und Zugehörigkeit zum Ausdruck bringt.

Zusammengenommen zeigen diese Arbeiten, wie die Mutterschaft zu einem Wendepunkt in Opies Praxis wurde. Ihr Fokus erweiterte sich von der Identität auf die Netzwerke der Fürsorge, Intimität und Zugehörigkeit, die den Alltag stützen, und verlieh ihren Darstellungen von Familie, Zuhause und queerem Leben eine neue emotionale Tiefe und Zärtlichkeit. „Ich möchte immer ein menschliches Porträt machen. Mein Lebensziel ist es immer, alles mit großer Sorgfalt und großer Menschlichkeit anzugehen“, sagte sie einmal in einem Interview.

In den 2010er und 2020er Jahren ging Opie über die Porträtmalerei hinaus, um Landschaften, Architektur und institutionelle Räume zu untersuchen und zu untersuchen, wie Macht unsere Umgebung bewohnt. Von den Autobahnen von Los Angeles und den Nationalparks Amerikas bis hin zu Fotografien, die während und nach ihrem Aufenthalt in Rom im Jahr 2021 entstanden sind, richtete sich ihre Aufmerksamkeit auf Vorstellungen von Autorität, Glauben und Nation.

In ihrer Serie „Walls, Windows and Blood“ (2023) durchforstete sie die Räume des Vatikans und das riesige Archiv an Wandteppichen und suchte sich Szenen der Andacht, des Märtyrertums und des Konflikts aus, um eindrucksvolle fotografische Raster zu erstellen.

Die Serie deckt die unsichere Beziehung zwischen Schönheit, Gewalt und Macht auf und zeigt, wie Bilder das kollektive Gedächtnis prägen und institutionelle Autorität über Jahrhunderte hinweg aufrechterhalten. Obwohl sie weniger autobiografisch sind als ihre früheren Porträts, bleiben diese Arbeiten von ihren anhaltenden Fragen geprägt: Wer gehört dazu, wer wird ausgeschlossen und wie soziale und politische Strukturen die Art und Weise prägen, wie wir uns selbst und einander sehen.

„Catherine Opie: To Be Seen“ ist mehr als ein bahnbrechendes Debüt, es fühlt sich auch wie eine zeitgemäße Auseinandersetzung mit Schottlands eigener Porträttradition an. Indem Opie Leben, die oft am Rande existierten, klar in den Mittelpunkt rückt, fragt er, wer gesehen und erinnert wird.

In einer Zeit, in der Fragen nach Identität, Gemeinschaft und Zugehörigkeit weiterhin die öffentliche Debatte prägen, liefern Opies Fotografien keine einfachen Antworten. Vielmehr bieten sie etwas Dauerhafteres: eine mitfühlende Aufzeichnung darüber, wie Menschen Sinn schaffen, Verbindungen herstellen und ihr eigenes Heimatgefühl aufbauen.

„Catherine Opie: To Be Seen“ läuft bis zum 1. November an der Royal Scottish Academy in Edinburgh. Weitere Informationen und Tickets finden Sie unter: nationalgalleries.org Katarzyna Kosmala ist Lehrstuhlinhaberin für Kultur, Medien und Bildende Kunst an der University of the West of Scotland. Dieser Artikel wurde von The Conversation unter einer Creative Commons-Lizenz erneut veröffentlicht. 

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