Definition venezianischer Kunst

Um sie zu beschreiben, müssen wir oft verallgemeinern, denn wenn wir von „venezianischer Malerei“ sprechen, identifizieren wir gemeinsame Merkmale der sehr unterschiedlichen Kunstwerke aus Venedig und weisen auf die gemeinsamen Qualitäten von Giovanni Bellini, Giorgione und Tiepolo hin. Und noch umfassender: Wenn wir von „Kunst“ sprechen, verallgemeinern wir Kunstwerke, die überall und jederzeit geschaffen wurden. Eine Abhandlung über ästhetische Theorie enthält oft eine Definition von Kunst. Philosophen interessieren sich besonders für Marcel Duchamps Readymades, einige Werke von Jeff Koons und Andy Warhols Brillo Box, weil sie ältere Definitionen von Kunst in Frage stellen. Ein der venezianischen Malerei gewidmetes Buch ist ganz anders aufgebaut. Es beschreibt den Ursprung dieser Tradition, angefangen bei Gemälden der Bellinis oder anderer Meister des 15. Jahrhunderts bis hin zu Giorgione, Tizian und späteren Figuren, den kanonischen venezianischen Malern. Manchmal beginnt eine solche Geschichte mit dem Einfluss von Ikonen und dem Ursprung der venezianischen Malerei. Häufig wird darauf hingewiesen, dass Giambattista Tiepolo (1696–1770) oder sein Sohn Giovanni Domenico (1727–1804) das Ende dieser Tradition markieren. Und natürlich lässt sich beobachten, wie Künstler, die nicht in Venedig lebten und arbeiteten, diese besondere Tradition weiterführten.

Philosophen definieren Kunst allgemein, um die notwendigen und hinreichenden Bedingungen zu identifizieren, die etwas zu einem Kunstwerk machen. Kunsthistoriker haben in der Regel ein anderes Ziel: Sie beschreiben eine künstlerische Tradition wie die kubistische Malerei, den französischen Impressionismus oder die venezianische Malerei, weisen auf die gemeinsamen Merkmale von Werken hin, die in einer relativ begrenzten Zeit und an einem relativ begrenzten Ort entstanden sind, und diskutieren den Ursprung, die Entwicklung und den Abschluss dieser Tradition. Dies bezeichne ich als Diskussion über Kunst als Kulturkritik, wobei ich Kultur in einem sehr weiten Sinne verstehe und sowohl die physische als auch die intellektuelle Welt der Künstler einbeziehe. Daher muss die Kulturgeschichte der venezianischen Malerei das Licht der Lagune sowie die ganz besonderen politischen und intellektuellen Anliegen der Republik Venedig diskutieren.

Es scheint also, als würden diese Philosophen und Kunsthistoriker das Gleiche tun, allerdings nur unter Bezugnahme auf unterschiedliche Beispiele. Sowohl Philosophen als auch Kunsthistoriker verallgemeinern und identifizieren notwendige und ausreichende Bedingungen für eine Gruppe von Artefakten. Was macht etwas zu einem Kunstwerk?; oder, alternativ: Was macht ein venezianisches Gemälde aus? Philosophen suchen nach allgemeinen Definitionen, während Kunsthistoriker sich auf bestimmte Traditionen konzentrieren. Und vermutlich ergänzen sich ihre Anliegen, denn wenn wir alle Definitionen der Kunsthistoriker zusammenführen würden, würden wir eine allgemeine, philosophische Definition von Kunst konstruieren. Niederländische Malerei plus florentinische Malerei plus venezianische Malerei sowie alle anderen Maltraditionen definieren die Malerei. Wir müssten also die Überschneidungen dieser Traditionen identifizieren. Venezianische Kunst, Florentiner Kunst, niederländische Kunst und so weiter. Wenn wir also diese Auflistung der Kunstformen vervollständigen könnten, hätten wir eine Definition von Kunst. Aber in Wirklichkeit argumentieren Philosophen nicht auf diese Weise; Sie streben vielmehr danach, eine einzige allgemeine Definition von Kunst zu identifizieren.

Diese unterschiedlichen Anliegen von Philosophen und Kunsthistorikern führen dazu, dass sie unterschiedliche Arten von Büchern verfassen. Die venezianische Malerei entstand dank der Entstehung der Republik Venedig und der Entwicklung der Ölfarben im 15. Jahrhundert und starb 1797, als dieser Staat durch Napoleon zerstört wurde. Und so ist es selbstverständlich, eine historische Erzählung einer solchen Tradition zu präsentieren. Die Geschichte der Malerei dürfte kompliziert sein, denn es gibt komplizierte Fragen darüber, was als erstes Gemälde gilt, und heutzutage ausführliche Debatten darüber, ob die Malerei ausgestorben ist. Der Anfang und das Ende von Traditionen können schwierig sein. Natürlich wird viel gemalt. Aber vielleicht sind die großen Traditionen der Malerei tot. Dieser institutionelle Kontrast zwischen der Beschäftigung des Philosophen mit allgemeiner konzeptioneller Analyse und der Fokussierung der Kunsthistoriker auf bestimmte visuelle Kulturen steht hier im Hintergrund. Und die Tatsache, dass die Alltagssorgen von Philosophen und Kunsthistorikern so unterschiedlich sind, lässt an einer Überbrückung dieser Kluft zweifeln.

Von Kunst als kulturellem Ausdruck zu sprechen, wie es Kunsthistoriker tun, bedeutet, sie auf eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort zu beziehen, wobei ihre Natur durch diese lokalen Bedingungen definiert wird. Und so konzentrieren sich Berichte über venezianische Kunst auf die visuellen Qualitäten dieses Ortes und auch auf die intellektuellen Interessen der Kunstwelt. Venedig ist ein relativ kleiner Ort, der vor der Kolonisierung durch die Venezianer hoffnungslos aussichtslos ausgesehen haben muss: eine flache Lagune, in der nur Vögel und Fische leben. Wer hätte gedacht, dass es die Heimat des reichsten und politisch erfolgreichsten christlichen mittelalterlichen Staates oder die Heimat einer Maltradition werden würde, die von der Freude an visuellen Erscheinungen lebt? Und der Kulturhistoriker wird sich fragen: Warum wurden diese Vorstellungen von ästhetischen Genüssen in Venedig so populär?

Venedig verfügt über ein ganz besonderes Umfeld und daher ist es selbstverständlich zu erwarten, dass seine visuelle Kunst auf dieses Umfeld reagiert. Aus diesem Grund beginnen viele Geschichten der venezianischen Malerei mit der Erörterung des Zugangs des Reisenden zu diesem Ort. Eine sehr einflussreiche ruskinische Tradition argumentiert, dass die Interpretation der venezianischen Kunst auf diese Weise ihren Kontext berücksichtigen muss. Im Jahr 1909 fasste Henry James, ein großer Ruskin-Leser, diese Ansicht großartig zusammen und behauptete, dass die Stadt selbst ein Kunstwerk sei.

Nirgendwo. . . Scheinen Kunst und Leben so verwoben und sozusagen so blutsverwandt? Die ganze Pracht des Lichts und der Farben, die ganze venezianische Atmosphäre und die venezianische Geschichte finden sich an den Wänden und Decken der Paläste; und das ganze Genie der Meister, alle Bilder und Visionen, die sie auf der Leinwand hinterlassen haben, scheinen in den Sonnenstrahlen zu zittern und auf der Welle zu tanzen. Das ist das ständige Interesse dieses Ortes – dass man in einer bestimmten Art von Wissen wie in einer rosigen Wolke lebt. Man geht nicht als Abwechslung von der Straße in die Kirchen und Galerien; Sie betreten sie, weil sie Ihnen eine exquisite Wiedergabe der Dinge bieten, die Sie umgeben. Ganz Venedig war sowohl Modell als auch Maler, und das Leben war so malerisch, dass die Kunst nicht anders konnte, als es zu werden. Bei aller Verkleinerung ist das Leben immer noch malerisch, und diese Tatsache verleiht der Wahrnehmung der großen venezianischen Werke eine außerordentliche Frische. (Italienisches Stundenbuch (Boston: Houghton Mifflin, 1909), 48.)

Wie Patricia Fortini Brown in ihrem lakonischeren Bericht sagt, beginnt der Betrachter in „lehrbaren Spielen zwischen Licht, Luft und Substanz ... die venezianische Ästhetik zu erleben“. 19

In seinen 1828 gehaltenen Vorlesungen über Ästhetik löst Hegel diese Unterscheidung zwischen der allgemeinen Darstellung der Kunst und der Erörterung der Malerei als Kulturkritik auf. Er bietet eine historische Präsentation, die uns von der klassischen bis zur mittelalterlichen, Renaissance- und modernen Kunst führt. In seinem Buch markieren die verschiedenen künstlerischen Traditionen somit in historischer Abfolge die entstehende allgemeine Definition von Kunst. Und so verwischt er faktisch die Unterscheidung zwischen der Kunst der einzelnen Kulturen und der Kunst als solcher im Allgemeinen. In unserer Museumskultur ist es jedoch schwieriger, diesen Unterschied aufrechtzuerhalten, da diese verschiedenen Traditionen alle gleichzeitig ausgestellt sind und im Prinzip alle arbeitende Künstler inspirieren können. Wir wollen sowohl eine allgemeine philosophische Darstellung des Wesens der Kunst als auch eine Diskussion der verschiedenen visuellen Kulturen. Und das bedeutet kurz gesagt, dass wir sowohl Ästhetik als auch künstlerisches Schreiben brauchen, denn sie dienen unterschiedlichen Interessen und erfordern unterschiedliche Fähigkeiten. Heutzutage scheint es, dass sich diese beiden Disziplinen entwickeln können, ohne dass eine Synthese erforderlich (oder erhofft) ist. Auf diese Weise ist Hegels Ästhetik ein Denkmal für eine frühe, heute intellektuell entfernte frühneuzeitliche kunsthistorische und philosophische Kultur.

David Carrier ist ein Philosoph, der Kunstkritik schreibt. Seine Ästhetische Theorie, Abstrakte Kunst und Lawrence Carroll (Bloomsbury) und mit Joachim Pissarro, Aesthetics of the Margins/The Margins of Aesthetics: Wild Art Explained (Penn State University Press) wurden 2018 veröffentlicht. Er schreibt ein Buch über das historische Zentrum von Neapel und führte mit Pissarro eine Reihe von Interviews mit Museumsdirektoren für Brooklyn Rail. Er schreibt regelmäßig Beiträge für Hyperallergic.